Mon Laferte

La nueva versión de «Antes de ti»

La nueva versión de

En esta ocasión, Mon Laferte grabó su versión de “Antes de ti” en Español, pero cabe destacar que también existe una versión en japonés que es hermosa, y resuena a película de Quentin Tarantino.

En este nuevo video la artista se muestra en un espacio al aire libre, rodeada de plantas y naturaleza, y en paralelo se pueden ver a las músicas y músicos tocando sus respectivos instrumentos, por separado.

«Antes de ti» es un bolero de Mon Laferte que se publicó el 2 de febrero de 2018 en las plataformas digitales, y el 4 de mayo de ese mismo año se publicó una versión en japonés.

Si, ¡Mon Laferte la grabó en japonés!

Ambas versiones fueron publicadas como un sencillo en disco de vinilo, siendo la cara A la versión en Español y la cara B la versión en Japonés.

La canción fue compuesta y producida por Mon Laferte y Manú Jalil, y fue creada durante la gira “Amárrame Tour” en Chile, en 2017, a partir de una improvisación entre ambos autores,

La artista se inspiró en la película japonesa Lady Snowblood, del año 1973. La película se trata de una heroína que busca su destino.

A continuación, mirá la nueva versión de «Antes de ti», de Mon Laferte:

Y también la versión de «Antes de ti» en japonés:

FUENTE: WWW.CMTV.COM.AR

Bandalos Chinos

presenta “Sin Señal”, una canción de amor latina melodramática.

Bandalos Chinos presenta “Sin Señal”, una canción de amor latina melodramática.

Después del lanzamiento de «Mi Manera de Ser/AYNMG», Bandalos Chinos presenta «Sin Señal», el tercer adelanto de su nuevo disco, que verá la luz en unos pocos meses.

Siguiendo la línea que habían explorado con «Demasiado», de su álbum «BACH (2018)», en «Sin Señal» la banda argentina revisita, en un formato más upbeat y con lírica contemporánea, el bolero y la canción de amor latina.

El melodrama, la pasión, el olvido forzado y el deseo aparecen no solo en la letra “borracho, loco y sin señal”, se lamenta Goyo Degano en un verso, sino también en el ambiente musical que los músicos construyen con el equilibrio justo de precisión y sentimiento.

A continuación mirá el video de «Sin Señal»:

FUENTE: WWW.CMTV.COM.AR

MOTÖRHEAD

 presenta «Ace of Spades», 40 Aniversario Deluxe Collector´s box set.

MOTÖRHEAD presenta

En 1980, el álbum «Ace Of Spades» fue un giro definitivo para  la forma de hacer rock duro en el mundo.

Fue un disco tan brutal y contundente, «como encerrar un rayo en una botella«. Capturó perfectamente lo mejor del hard rock, el heavy metal o el punk y amplificó todos los parámetros que se habían visto hasta la fecha.

Ahora, después de las tan valoradas por los seguidores y medios de comunicación reediciones de aniversario del año pasado de «Overkill» y «Bomber», llega en 2020, el disco que catapultó a Motörhead a la estratósfera y grabó su nombre en las paredes de la historia del rock and roll para siempre; «Ace Of Spades«.

Para celebrar el 40 aniversario de este álbum histórico, la presentación se hará en nuevas ediciones de lujo. Habrá ediciones en tapa dura libretos en dos formatos de 2CD y triple LP, con un concierto nunca antes visto de la gira «Ace Up Your Sleeve», la historia del álbum y muchas fotos inéditas.

Además, el álbum se lanzará como caja Deluxe «Ace Of Spades» de edición de súper coleccionista, que contendrá una gran cantidad de tesoros y detalles específicos de la época y nada más y nada menos, que 42 canciones inéditas.

Disponible el 30 de octubre de 2020.

Deluxe box-set «Ace Of Spades» contiene:

• El álbum «Ace Of Spades», masterizado en formato «Half-Speed Mastered» y creado a partir de las cintas maestras originales.

• Dos álbumes dobles en vivo de conciertos nunca antes editados de la gira «Ace Up Your Sleeve».

• «A Fistful Of Instrumentals»: un EP de 10″ pulgadas de temas instrumentales inéditos de 1980.

• «The Good, The Broke & The Ugly»: Un álbum doble de caras B, tomas descartadas y canciones raras.

• «Ace On Your Screens» («Ace en vuestras pantallas»): Recopilación en formato DVD de apariciones en televisión raras de 1980-81, un concierto en directo de 1981 y una mezcla de audio 5.1 del álbum original.

• «The Ace Of Spades story» (La historia de Ace Of Spades). Un libro de 40 páginas que cuenta la historia de «Ace Of Spades» a través de entrevistas inéditas con las personas que lo vivieron y estaban allí. Incluye muchas fotos, recuerdos y testimonios nunca antes vistos.

• El programa de Tour «Ace Up Your Sleeve».

• El cómic «Motörhead Rock Commando».

• Un juego de 5 dados de póker que se pueden jugar en el tablero de juego que hay dentro de la tapa de la caja.

• Todo incluido en una caja que imita a una caja de dinamita del Salvaje Oeste.

• Una reproducción de 7″ pulgadas de edición limitada del «Ace Of Spades» holandés, con una versión instrumental inédita en el lado B.

Pre-Order ya en: https://motorhead.lnk.to/AOS40PR

 

Fuente: www.CMTV.com.ar

ABBA

prepara cinco nuevas canciones para su tour holográfico, que comenzará en 2021
El cuarteto sueco ABBA volverá a los escenario pero mediante un holograma, a 38 años de su disolución
El cuarteto sueco ABBA volverá a los escenario pero mediante un holograma, a 38 años de su disolución Fuente: AP

ABBA lanzará cinco nuevos temas en 2021, año en el que el mítico grupo sueco hará la esperada gira holográfica que tendrá un mensaje significativo como apoyo a la industria de la música debido a la pandemia de coronavirus. Se amplía así el número de canciones inéditas, puesto que inicialmente iban a ser dos, informó Europa Press.

ABBA, en la década del 70
ABBA, en la década del 70

El plan data de 2018, cuando el grupo, compuesto por Benny Andersson, Anni-Frid Lyngstad, Agnetha Fältskog y Bjorn Ulvaeus, anunció su intención de publicar dos temas inéditos a modo de regreso. Pero el proceso ha ido alargándose y, finalmente, el proyecto ha ido expandiéndose. Será el primer material nuevo de ABBA en más de 35 años.

Entre los cinco temas estarán los ya anunciados «I Still Have Faith in You» y «Don’t Shut Me Down». «La decisión de seguir adelante con este emocionante proyecto de gira holográfica de ABBA tuvo una consecuencia inesperada. Los cuatro sentimos que, después de 35 años, podría ser divertido unir fuerzas de nuevo y volver al estudio de grabación», ha declarado la banda en un comunicado conjunto.

En febrero de este año, Andersson, en una declaración para la web ABBA Talk, reveló que las dos canciones ya anunciadas iban a salir este año. Sin embargo, la pandemia del COVID-19 ha trastocado todos los planes, provocando algo positivo paradójicamente, puesto que esto ha motivado a que se escriban tres temas más.

Los cuatro miembros de ABBA, felices con el nuevo emprendimiento
Los cuatro miembros de ABBA, felices con el nuevo emprendimiento

La gira holográfica mostrará a la versión joven de los cuatro componentes, evocando el espíritu de los 70. En diálogo con DeadlineBjorn Ulvaeus explicó: «Nos fotografiaron desde todos los ángulos posibles, nos hicieron hacer muecas frente a las cámaras, nos pintaron puntos en la cara, nos midieron la cabeza».

Aunque ABBA se separó en 1982, la pasión del público por el grupo sueco no ha disminuido con el paso del tiempo. Muy recordada es la reunión de la banda en 2016 con motivo del 50 aniversario del primer encuentro entre los compositores Andersson y Ulvaeus.

Rufus Wainwright

 vuelve al territorio que mejor conoce y brilla como un diamante
Rufus Wainwright regresa con un gran disco, Unfollow the Rules
Rufus Wainwright regresa con un gran disco, Unfollow the Rules
Unfollow the Rules: «Trouble in Paradise», «Damsell in Distress», «Unfollow the Rules», «You Ain’t Big», «Romantical Man», «Peaceful Afternoon»,»Only the People That Love», » This One’s For The Ladies (THAT LUNGE!), «My Little You», «Early Morning Madness», «Devils and Angels (Hatred)», «Alone Time». Sello discográfico: BMG. Nuestra opinión: muy bueno.

Rufus Wainwright volvió al pop. Y de verdad es una muy buena noticia. Después de abocarse a trabajos de otro tipo -su primera ópera, Prima Donna (2015), la musicalización de sonetos de Shakespeare en Take All My Loves (2016)-, este gran artista neoyorquino ha decidido retomar el camino del que se había desviado deliberadamente luego de Out of the Game (2012). En esa línea se había ganado merecidamente una gran popularidad y también una estima notoria de la prensa especializada, rendida a los pies de una música exuberante y teatral en la que la influencia directa de su entorno familiar (es hijo de dos cantantes folk, Loudon Wainwright III y Kate McGarrigle, y fue, desde los 13 años y con su hermana Martha, parte del proyecto The McGarrigle Sisters and Family) se cruzó siempre con su evidente interés por la gran tradición del Tin Pan Alley, la nocturnidad del cabaret, el soft rock de los 70 y su amor incondicional por Judy Garland.

Con Mitchell Froom (colaborador de consagrados como Paul McCartney, Randy Newman y Elvis Costello) como socio clave en la producción, Rufus ataca de nuevo con un repertorio caracterizado por un sonido recargado y expansivo que esta vez incluye cuerdas, vientos, guitarras acústicas, eléctricas y pedal steel, todo al servicio de una lírica que abandona la angustia por la muerte de su madre que tiñó a las canciones de Out of the Game para mostrarnos un temperamento mucho más equilibrado donde se aprecia, como él mismo declaró hace poco, cómo es su actualidad, «con sus tragedias pero también sus glorias».

Las doce canciones del disco tienen atrapantes secretos a descubrir, pero hay algunas que impactan ya en el primer contacto. Es el caso de «Unfollow the Rules», cuyo título está inspirado en un buen consejo de su propia hermana. La canción fue estrenada por Sarah Jessica Parker en la película Here and Now de Fabien Constant (disponible ahora mismo en Google Play), pero con la voz de Rufus flotando por encima de una instrumentación muy delicada se transforma en una balada ejemplar, mucho más poderosa y profunda. Lo mismo pasa con «Peaceful Afternoom», que apela a la vertiente épica que Wainwright domina como pocos para formular una encendida declaración de amor a su marido, Jörn Weisbrodt.

En medio de ese ambiente atravesado mayormente por cuestiones de la más pura intimidad aparece «Devils and angels (Hatred)», otro dardo envenenado dirigido a Donald Trump (a quien Rufus ya había apuntado en una canción de 2018, «Sword of Damocles»), la única alusión al mundo de la política en todo el álbum. Convencido de que el actual gobierno de su país es una amenaza real y palpable para el planeta, Wainwright nos advierte sobre el odio que él avizora en el horizonte. Una nota amarga de las que casi nunca se permite prescindir.

Mariana Bianchini

la artista que combatió por años el machismo en el rock local
Solista y con banda, Mariana Bianchini vuelve con Panza, la banda con la que debió soportar y transitar el machismo instalado en el rock local
Solista y con banda, Mariana Bianchini vuelve con Panza, la banda con la que debió soportar y transitar el machismo instalado en el rock local Crédito: Juan Pablo Tristán
Mariana Bianchini se sube al escenario. Se tira el piso, grita y se lastima las rodillas. El pelo. Las encías. Se lastima porque cree que ese es el precio que debe pagar por ser mujer y querer hacer rock. «Sentía que tenía que ser más rockera que los rockeros. Había muchas menos mujeres en la escena y había una necesidad en mí de demostrar», confiesa al hablar con LA NACION. La voz detrás de Panza recuerda que, en esos show, la entrega era tal que -una vez que se iban todos- se quedaba vacía y sin nada para darse a sí misma o a su entorno.

Hace seis años, el guitarrista y manager del grupo, Sergio Álvarez, decidió poner a la banda en pausa. «Yo no sigo», anunció, y Mariana -su compañera musical y esposa- comprendió la decisión. En ese momento, su segunda hija, Ludmila, tenía 6 meses y el trabajo que requería Panza era tal que los ponía en una encrucijada: «Era la banda o la familia, pero la banda podía esperar».

Sentía que tenía que ser más rockera que los rockeros

Mariana Bianchini

Un «nuevo comienzo» para Panza

Con el tiempo, pese a estar en ese parate, los invitaron a participar de un homenaje a Led Zeppelin, y esa experiencia les permitió revivir la mística que hay entre ellos: una mezcla única entre rock, pop, punk, jazz y avant-garde. Ahí fue que se sembró la semilla del retorno. Hoy creen que es momento de «cortar con la dulzura» y con la comodidad que sienten cada uno en su carrera solista para volver a hacer música juntos. «El motivo es el deseo y las ganas de volver a tocar fuerte, porque hace mucho que no lo hacemos con ese volumen».

Para Mariana, uno de los factores más ricos de ser parte de una banda radica en el hecho de que las ideas de cada uno están siempre negociándose y que, de esa fricción y vértigo, nacen los canciones. Según dice, componer para Panza la obligó a exigirse más «para buscar la voz que podría tener este engendro mutante nuevo, con historial, que arrastra una mochila pero que, a la vez, vive sus batallas, queda derrotado y herido, y vuelve reluciente». Y ese es el mensaje que resuena en «Guillotina», el primer adelanto del disco que saldrá en noviembre.

Tal como remarca la artista, esta vez los límites son distintos a los de esa primera etapa con la banda, que comenzó en 1998. «Muchos decían: ‘es la vuelta de Panza’, pero no sé si vuelve, porque nosotros ya no somos los mismos. De alguna forma es un nuevo comienzo. Es como si la casa se hubiera reconstruido con ladrillos nuevos. Es el mismo lugar, está el mismo espíritu, pero construimos con otra edad, con otro momento en la vida y con otras ganas», asegura. «El rock es la esencia de la música que nos mueve, y donde sentimos la libertad y la transgresión. Queremos reivindicar el estilo».

El paso del tiempo trajo para ella una reflexión sobre el cuidado de su cuerpo y de su entorno. Esta cantante siente la necesidad de trazarse un camino en los shows que la limite a cuidarse y que, a la vez, potencie el juego. Por eso usa vestuarios que le complican los movimientos: polleras gigantes, ropa hecha de cartón, máscaras. «A veces es simplemente usar zapatos, en vez de zapatillas, o no tocar descalza porque casi me muero electrocutada treinta mil veces. Ya está, eso no se volvería a repetir, y creo que eso tiene que ver con la experiencia, la terapia y la edad».

Hace 6 años, Sergio y Mariana se enfrentaron a una encrucijada: "Era la banda o la familia, pero la banda podía esperar".
Hace 6 años, Sergio y Mariana se enfrentaron a una encrucijada: «Era la banda o la familia, pero la banda podía esperar». Crédito: Juan Pablo Tristán

Lucirse en un lugar donde otros esperan ver a un hombre

Cuando comenzó, le gustaba el factor sorpresa que generaba al «estar en un lugar donde la gente espera ver un hombre». Ella sentía que la primera sensación que se generaba al ver que la principal voz de la banda era una mujer era la decepción, y que su desafío era romper ese estigma. Según dice, en ese entonces resonaba mucho la frase de que alguien tocaba o cantaba «como un chabón», como si «ese poder le correspondiera a los hombres».

Las trabas por ser mujer y querer hacer rock no provenían ni de ella misma ni de su banda, sino que eran límites que se le imponían desde afuera; por parte de la industria y de los medios, principalmente al querer hacer sonar sus canciones en la radio. «Pensábamos que íbamos a conquistar el mundo, y ahí aparecían los: ‘pero una banda donde canta una chica no rota en cualquier lugar’; ‘no sé dónde va a sonar'». Una vez un manager se sinceró y les dijo: «No va a sonar en la radio porque canta Mariana». «Yo era la culpable», dice, y su risa refleja que sabe que el problema no estaba en ella, sino en un sistema que la excedía.

Era violenta la propuesta de una mina que hasta se lastimaba en el escenario

Mariana Bianchini

Esas frases le iban coartando el camino. «No había forma de clasificar a la banda porque tampoco era una banda de una chica que cantara lindo, agradable y en una postura conocida. Era violenta la propuesta de una mina que hasta se lastimaba en el escenario», reflexiona. Y añade que ella naturalizaba esas expresiones machistas pero que, luego, al hablar con otras artistas puedo reconocer el patrón.

En muchas ocasiones, cuando estaba arriba del escenario preparando la puesta para el show, se chocó con comentarios como: «Las chicas abajo» o «las groupies y las novias de los músicos atrás». En otras tantas vivió maltratos en las pruebas de sonido y recuerda que, en la previa de un evento, al verla, un hombre lanzó: «Yo para escuchar una mina que grita tengo a mi señora».

Además de Mariana Bianchini y Sergio Álvarez, integran Panza Julián "Lulo" Isod, baterista de Ciro y los Persas, y Franco Fontanarrosa en bajo
Además de Mariana Bianchini y Sergio Álvarez, integran Panza Julián «Lulo» Isod, baterista de Ciro y los Persas, y Franco Fontanarrosa en bajo Crédito: Juan Pablo Tristán

Los juegos de la infancia, mezclados con el rock

Lejos de desanimarla, estas cuestiones se tradujeron en una Mariana «más violenta, agresiva, aguerrida y rockera». Pero hoy ya no le interesa demostrar nada. En algún punto, solo quiere volver a divertirse en el escenario. «Cuando era chica mi juego era sacarle la bijouterie de los cajoncitos a mi abuela y ponérmela, y ese juego de toda la infancia lo llevé al show. Tengo una pollera con cajoncitos y voy sacando de ahí elementos que aparecen en las canciones», dice, y deja entrever que en el fondo es una gran soñadora que persigue la felicidad en medio de sus canciones.

Quizás eso explique la existencia de personajes ficcionados en sus letras. Por ejemplo, en Fantasías, un tema que suena en su primer disco solista, lanzado en 2003, Mariana canta «para salvarme viene volando el hada de los enanos de jardín embarazados», como una forma de gritarse a sí misma: «Crecé, no existen los enanos de jardín embarazos así que nadie te va a salvar».

Diecisiete años más tarde, es justamente este personaje el que vuelve a aparecer convertido en el arte de tapa de «Guillotina». Eligieron esta canción para reaparecer en escena por lo que representa para ellos. «Es esta idea de que todos seguimos de pie. Nadie afloja. Estamos heridos pero seguimos sobreviviendo», dice la cantante, y bromea: «El disco tenía que salir este año, el año que viene no sabemos si vamos a estar vivos».

Para ella, musicalmente esta propuesta es superadora de la anterior por «cómo suena la banda sola»; que, además de contar con ella y Álvarez, está integrado por Julián «Lulo» Isod (baterista de Ciro y los Persas) y por el bajista Franco Fontanarrosa.

Una casa de estrellas de rock

Debajo del escenario, con Sergio Ávarez lideran otro cuarteto, que completan sus hijos: Iván y Ludmila.«Es como vivir con tres estrellas de rock, donde cada miembro de la familia tiene su propio mundo: Sergio con la guitarra, Iván con el piano y Ludmila con YouTube», describe y cuenta que su mayor anhelo es formar una banda entre toda la familia y viajar juntos en una combi. «Vivir con Iván es como vivir con Bruce Dickinson, el cantante de Iron Maiden. De hecho, le gusta el metal. Yo creo que en algún momento lo puedo llegar a convencer. Con Ludmi, que es súper rebelde, ya no sé. Es muy punk. Si toca no va a ser con los padres».

Como cada uno de ellos, Mariana también tiene sus mundos, y necesita de ellos para mantenerse en pie. Cinco años atrás apeló a su imaginación para escapar de la locura y creó «Informes desde Villa Estruendo», un libro de cuentos e ilustraciones que inventó para que su hijo se durmiera. «Estaba entre el sueño y la vigilia, y fui creando personajes con los muñecos que estaban tirados en el piso». Hoy su escape vuelve a ser el rock. «Debo ser como un demonio enjaulado. Mi vida es súper tranquila, pero creo que el equilibrio está ahí: en poder jugar un rato en el escenario como cuando era chica. Cuando no hago shows, como en este momento, desequilibro un poco. A todos los músicos nos pasa de necesitar tocar para poder estar bien».

David Lee Roth

el rockero que aprovechó la cuarentena para cambiar de oficio
El excantante de Van Halen, David Lee Roth, aprovechó el parate por la cuarentena para profundizar en las artes plásticas
El excantante de Van Halen, David Lee Roth, aprovechó el parate por la cuarentena para profundizar en las artes plásticas Fuente: AP
Generalmente, David Lee Roth pasa sus días, o al menos sus noches, «vestido con lycra para hacer ejercicio, moviéndose a 134 latidos por minuto», dijo. Pero ahora Roth, de 65 años, el cantante de Van Halen, es como el resto de nosotros: está confinado en casa y obsesionado con la pandemia.

Sin embargo, los últimos meses en cuarentena han provocado que Roth se dedique a una vieja misión con un nuevo enfoque. Desde abril, llenó sus días creando dibujos con el Covid-19 como temática -los llama cómics- y después comparte las obras terminadas, una cada semana, en sus redes sociales. El arte, como la música y la disposición de Roth, es vibrante, caprichoso y, hasta cierto punto, poco convencional. Por momentos es agresivo. Varios dibujos tienen su rostro. Muchos otros están llenos de imágenes de ranas.

-¿Qué provocó este impulso de expresión artística?

-«¡Haberme quedado sin trabajo!», bromeó Roth por teléfono desde su casa en Los Ángeles una tarde a fines del mes pasado. En marzo, Roth estaba de gira como solista y telonero de Kiss por los Estados Unidos.

A principios de esa temporada, Roth, que también trabajó como paramédico en Nueva York, combatió una enfermedad no especificada. «No estoy muy convencido de no haberme contagiado el coronavirus», dijo. «¡Caray, me dieron suficiente prednisona para mandar a alguien a la Luna! Dejamos una estela de aficionados, escombros y reseñas incandescentes. Pero no quiero volver a pasar por eso».

David Lee Roth con el mameluco que usa para pintar
David Lee Roth con el mameluco que usa para pintar Crédito: NYT

Incluso para los estándares del líder de una banda de rock, es famosa la capacidad de Roth de llamar toda la atención de su público, ya sea cuando se lanza desde una plataforma de batería para hacer acrobacias en el aire o que les dice a sus fanáticos que Van Halen es «la banda de rock que le vendió la rumba de Ricky Ricardo a la nación del ‘heavy metal'». Pero ahora su arte es el que habla por él. «Lo que hago es comentario social», dijo. «Es lo que siempre he hecho».

En sus obras de arte más nuevas, ese comentario social ha provocado una intensa reacción. En una pieza declara un cambio de nombre. «Siguiendo el ejemplo de Lady Antebellum (ahora Lady A), Diamond Dave se deshará del nombre Lee», escribió debajo de un dibujo en el que, naturalmente, aparece una rana. «Desde ahora, quiere que todos nosotros lo llamemos ‘David L. Roth’ o simplemente ‘El Roth'». Para muchos, eso socava las medidas que muchos artistas blancos están tomando para corregir el racismo.

«El mejor tipo de humor -no los chistes- no es gracioso en absoluto», dijo Roth, defendiendo su trabajo. «Mi versión es la verdad con azúcar añadida. Y quizá es un poco de azúcar y picante. Sin embargo, el mejor humor fomenta el diálogo».

David Lee Roth y su obra
David Lee Roth y su obra Crédito: NYT

El arte, prosiguió, «ha sido una constante en mi vida. Mi mano siempre ha estado en el vestuario, los decorados de fondo, los decorados de los escenarios, las portadas de los álbumes, la dirección de video. Esto es parte de ello. Y hay un oficio que interviene, por lo que hay un poco más de peso en algunas declaraciones».

-¿Por qué las ranas?

-Vi una historia acerca de Mark Twain; no era su biografía, era una obra ficticia con actores. Y al final, el viejo Sam muere, pero no va al cielo. Está en el patio donde creció en Hannibal, Missouri. Y una niña pequeña se le acerca y él le pregunta: «¿Quién eres?». «Soy Becky Thatcher y tengo algunos amigos que esperan conocerte», le responde ella. Y todos los personajes que creó van a saludarlo. Por eso comencé mi lista de invitados. Y probablemente el único de ese séquito que podía siquiera deletrear, y apenas dibujar, era la rana del condado de Calaveras [del cuento La célebre rana saltarina del condado de Calaveras].

-Muchos de tus dibujos incluyen una referencia a los «Soggy Bottom». Lo interpreté, al menos en este contexto, como un juego de palabras relacionado con la frase «drenar el pantano».

-Si yo lo explico es como para una calcomanía de auto. Si dejo que tú lo expliques, es arte. Pero estás muy cerca del significado preciso.

-¿Puedes describir tu proceso artístico?

-Mi enfoque es lo mejor de ambos mundos: lo clásico y lo digital hiperatómico. Como ver Dragnet en el iPad. ¿Sabés? Me mudé a Japón durante más de dos años para estudiar Sumi-e y caligrafía, y cuatro noches a la semana entrenaba y después hacía tarea. Dios mío, he pasado miles de horas aprendiendo a usar un cepillo de cerdas de caballo con un bloque de tinta que muelo yo mismo. La receta no cambió en 700 años. Así que todo en los cómics está dibujado a mano: todo el tipo de letra, todos los colores, el trabajo lineal, la iluminación. Y una vez que termino, trabajo con Colin Smith, el Led Zeppelin del Adobe Photoshop. Juntos escaneamos todo, y luego puedo pasar a áreas que de otro modo no estarían disponibles gráficamente sin décadas de esfuerzo.

-¿Cómo transforma el trabajo original el uso de la manipulación digital?

-Muchos de estos colores no se pueden encontrar fuera del ciberespacio. Es un mundo en sí mismo. Tiene un buen propósito, porque casi todo nuestro consumo de bellas artes y gráficos en estos días es interactivo con una pantalla, ya sea en tu PC o en tu reloj de pulsera. En realidad volvemos a Maxwell Smart y su zapatófono. «¡Alguien está en mi Nike!»

-¿Qué te atrae de usar un cepillo y tinta como medio de expresión artística?

-No se trata de expresarme. Es una terapia performativa. Me desahogo. Estoy enojado. Y no pido perdón. Así es como lo hago.

Eddie Van Halen y David Lee Roth
Eddie Van Halen y David Lee Roth Fuente: AP

-La gente generalmente no piensa en David Lee Roth como un hombre enojado.

-Eso es porque lo he superado. Es esa magia secreta que ocurre cuando tomás algo que básicamente es triste y encontrás el humor, la elocuencia y a veces la iluminación en ello.

-¿Cuál es tu opinión sobre la respuesta de Estados Unidos a la pandemia?

-Desearía que nuestro país hubiese adoptado un enfoque como del Cuerpo de Marines frente al Covid. En lugar de [crear] una división, buena o mala, correcta o razonable, incorrecta o no.

-Una de las piezas incluye la frase «No hay política durante la hora feliz», que me parece que podría ser una encapsulación del espíritu de Van Halen.

-Bueno, visual y gráficamente, las ranas debajo de esa leyenda están peleando, idéntico a lo que sucedió en mi breve y colorida permanencia con los Van Halen. [Risas] Pero cuando ves ranas tecnicolor haciéndolo, es un poco más digerible. Pero lo que estoy reflexionando en ese cómic es lo no declarado. Aquello de lo que no hablamos. ¿Qué sucede cuando bebemos en un bar y hablamos de política? ¿Qué significa cuando decimos «las ventas de alcohol se disparan nuevamente»? Todo es una distracción.

-¿Puedes decir más sobre la pieza que parece ser una respuesta al cambio de nombre de Lady Antebellum?

-Tenía connotaciones de política personal. Buscaba divertirme un poco a costa de los demás, cuya visión respetaré. Y en lugar de los copiones inevitables, fingí ser uno. Pero el supuesto cambio de nombre atrajo algo de ira, pues algunas personas hicieron publicaciones desde una postura de derecha: «Otro miembro de la izquierda cae». Oigan, soy un jipi de combate: paz, amor y suficientes hombres y máquinas para defenderlos hasta el cansancio. Necesitás lo primero para apoyar lo demás.

-¿Sería correcto identificar a David Lee Roth como una persona de izquierda?

-Me encantan los derechos civiles. Los derechos igualitarios. Los derechos de las mujeres. Los derechos de los niños. Los derechos de los derechos. ¿Está bien? Toda la lista. Pero, por otro lado, estoy preparado para rasurarme la cabeza, unirme a los infantes de la Marina e ir a defender esos derechos. Eso en sí mismo no es una declaración de izquierda. O no solía serlo cuando era chico. Pero crecí en una gran época y un gran espacio durante la escolarización racialmente inclusiva de la década de 1960. Fui a escuelas donde la población estudiantil era un 90 por ciento negra e hispana, y estuve en la guardia de color con un corte militar. Todas las mañanas a las 7 marchábamos para izar la bandera. Y de noche íbamos a la casa del hermano de Kenny Brower, fumábamos marihuana y escuchábamos el disco nuevo de The Doors. ¡Jipi de combate!

-Estabas de gira cuando comenzó el confinamiento. Como artista de toda la vida, ¿fue difícil verte obligado a dejar la gira de manera tan precipitada?

-Todas las revistas de jiu-jitsu tienen a un chico de 28 años que narra los dos años que perdió debido a su codo. Todas las revistas de kickboxing tienen a un instructor de 32 años que dice: «Bueno, perdí tres años debido a mi rodilla izquierda». Así que solo me he estado aislando. Porque soy una persona de riesgo.

-¿Por qué te considerás de alto riesgo?

-El camino te deteriorará desde el principio o te mantendrá vivo para siempre. Cuando salimos, nos desgastamos. Acabo de hacerme una cirugía en la parte baja de la espalda. Fue una fusión espinal donde toman un pedazo de otra persona. De hecho, soy más alto ahora. ¿Parezco más alto? Quiero decir, ¿por teléfono?

En cuanto los artistas de categoría B -Beyoncé, Bono y Bruce Springsteen- digan que ya se puede, regresaré al canto, al baile y a vender camisetas

-La última vez que estuviste de gira con Van Halen fue en 2015. ¿Crees que volverá a suceder?

-No sé si Eddie [Van Halen] alguna vez se recuperará de los rigores del camino. [El guitarrista anunció por primera vez que tenía cáncer en 2001, y no ha reaparecido desde entonces]. Ni siquiera quiero decir que he esperado, lo he apoyado durante cinco años. Porque lo que hago es tanto físico como musical y espiritual, no podés tomarte cinco años fuera de la escena. Pero lo hice. Y no me arrepiento ni por un segundo. Es un compañero de banda. Teníamos un colega caído. Y ha estado caído por el tiempo suficiente como para que yo no sepa si volverá al camino. ¿Querés escuchar a los clásicos? Estás hablando con uno.

-¿Durante cuánto tiempo seguiremos viendo obras nuevas de arte de David Lee Roth?

-Como dijo el tatuador: ¡Hasta que ya no tenga amigos! ¡Hasta que mi Instagram esté vacío! Puedo hacerlo incansablemente. No lo había considerado como algo más que un pasatiempo. Pero ahora resulta que a la gente le fascina.

-Dada esa fascinación, ¿estos dibujos saldrán a la venta?

-En términos de mi ocupación verdadera, en cuanto los artistas de categoría B -es decir, Beyoncé, Bono y Bruce [Springsteen]- digan que ya se puede, regresaré al canto, al baile y a vender camisetas. Pero mientras tanto, dibujaré y pintaré todas las noches. Y me encanta que haya público para mi arte. Desde luego, haré que mis obras estén disponibles. Te lo apuesto. Simplemente no lo había considerado. [Se ríe]. Pero como dice mi hermana, al parecer se me escapan las cosas grandes.

Tina Turner

Gracias al remix de un clásico,  vuelve la música a los 80 años
Tina Turner
Tina Turner Crédito: Captura Instagram
Durante los años ochenta, Tina Turner fue una de las grandes voces. Una verdadera seguidilla de hits la puso en lo más alto de la música pop, y varias de sus canciones más importantes aún hoy son himnos para toda una generación. Y luego de varios años retirada, la mítica cantante regresa de la mano de Kygo, el artista que lanzó un remix del tema «What´s Love Got to Do With It».

Hace muy pocos días, y desde su cuenta personal en Instagram, Kygo sorprendió utilizando una foto en la que se encuentra junto a una imagen retro de Tina, y allí escribió: «No puedo creer que esté por lanzar una colaboración con Tina Turner este viernes. «What´s Love Got to Do With It» es una de mis canciones favoritas de todos los tiempos, y parece surrealista el que tenga la posibilidad de trabajar con una artista así de legendaria. No puedo esperar a que escuchen la canción!». Desde el Instagram oficial de Turner también compartieron el esperado lanzamiento.

De esa forma se estrenó oficialmente el remix de Kygo, que marca el regreso de Turner a la escena musical. El último disco oficial de la cantante fue Twenty Four Seven, lanzado en 1999. Poco tiempo después, ella se retiró dejando una carrera atravesada por muchos grandes éxitos, entre los cuales se destacó el hoy nuevamente popularizado «What´s Love Got to Do With It», publicado en 1984 dentro del disco Private Dancer.

Esta no es la primera vez que Kygo compone una pieza a partir de una canción correspondiente a una venerada cantante, ya que el año pasado hizo lo mismo con «Higher Love», de Whitney Houston.

Esta nueva versión de «What´s Love Got to Do With It» llegó acompañada de un video clip protagonizado por la actriz Laura Harrier y Charles Michael Davis. De esta manera, el remix de un verdadero clásico de Tina Turner marca su reaparición en las listas musicales, y para una nueva generación de amantes de la música, sin lugar a dudas este será un primer acercamiento a la obra de Tina Turner.

Pussy Riot

«En Sudamérica sentimos que nuestra música y activismo puede realmente cambiar las cosas»
Antes de tocar en el festival online Aurora, Nadya Tolokonnikova habla de su visita a la región el año pasado y de la conexión que tuvo con las organizaciones feministas locales
Antes de tocar en el festival online Aurora, Nadya Tolokonnikova habla de su visita a la región el año pasado y de la conexión que tuvo con las organizaciones feministas locales Crédito: Josef Jasso
En los primeros minutos de una entrevista, se suele dar un intercambio de gentilezas breves y mundanas que ayudan a romper el hielo con el artista. Son pocos segundos de introducción mutua antes del cuestionario real. Pero algo tan simple como preguntar «¿Qué tal las cosas por ahí? ¿Estás en tu casa?», al menos en esta ocasión, puede hacer que los gestos en el rostro de quien está del otro lado impongan distancia: «No te puedo dar mi ubicación, es parte de nuestra política».

Nadya, o Nadezhda Tolokonnikova, se toma las cosas en serio, quizás en parte por convivir con el miedo de que decir o hacer nunca es gratis. Junto a Masha Alyokhina y Yekaterina Samutsevich, son desde 2012 la imagen asociada a Pussy Riot, el colectivo artístico anarco-feminista ruso que tomó notoriedad global cuando el gobierno de Vladimir Putin las envió a prisión bajo la carátula de «vandalismo motivado por odio religioso».

A partir de ahí se convirtieron en una amenaza cultural para las autoridades locales, que intentaron censurarlas y encarcerlarlas en cuanta oportunidad se presentara. En paralelo, su figura creció mediáticamente como un faro de lucha política ante los ojos de Amnesty International y personalidades de la música como Madonna, Adele, Bono y hasta filósofos como Zizek.

Si alguna vez las Pussy Riot utilizaron el adjetivo punk para describir su proyecto de happening multisensorial, hoy su sonido es mucho más expansivo. Aunque las ideas siguen ahí. Con motivo del Aurora Home Festival -que iba a hacerse en Mendoza pero pandemia mediante se trasladó al contexto online este 18, 19 y 20 de julio-, el grupo regresa de alguna manera a conectar con la audiencia argentina. «Estamos usando estas oportunidades para hacer llegar nuestra música a la gente y las plataformas online son un vehículo para eso», explica Nadya. «Definitivamente en cuanto podamos volver a la normalidad, quiero ir a Argentina y al resto de Sudamérica. Tuve mi primera gira ahí el año pasado y la pasé genial. Cuando digo que literalmente fue mi mejor tour, no te lo digo por decirlo. ¡Es en serio!. Y encima toda la audiencia era súper feminista».

¿Cuáles son tus recuerdos de los distintas reuniones que tuvieron con organizaciones y espacios de mujeres acá?

¿Cómo estás llevando el encierro ahora?

Me siento muy bien. Soy un poco ermitaña por naturaleza y este momento está bueno porque no me da tanta culpa no ser tan sociable. Sí estoy haciendo mucha música, pero tengo también momentos medio oscuros porque nos estábamos por ir de gira. Todo se canceló y eso nos deprimió y nos dejó, como dicen los yanquis, «con las bolas azules». No tenemos esa expresión en Rusia pero me parece sensacional (risas).

En un video reciente das consejos sobre cómo mantenerte mentalmente sana y ejercitar en cuarentena. Pero también comentás que cuando estuviste en la cárcel, leer la biblia te ayudó a estar enfocada. ¿Cómo coexiste eso con ir presa justamente por performar en una catedral?

Los guardias no me dejaban tener los libros que mi familia y mis amigos me venían a traer, así que durante seis meses la biblia era mi única opción (risas). De todas formas justo cuando me arrestaron estaba estudiando filosofía y me encantaba todo lo que tenía que ver con eso e increíblemente también me ayudó a conectarme con varias personas. Había una mujer en mi celda que era una investigadora, y se supone que por ley no deberían poner a un ex policía, investigador o juez con una persona ordinaria en una celda. Después me enteré el motivo y es que la ubicaron ahí para que reportara todo lo que yo hacía, decía o leía. Pero, al leer la biblia juntas, de hecho terminamos haciéndonos bastante amigas. A los meses, ella me dijo, «se supone que debería informar sobre vos pero voy a hacer lo opuesto porque confío mucho más en vos que en el sistema penitenciario». Y terminó mofándose de ellos: reportaba que yo leía la biblia todo el día. Pero en última instancia el problema con la biblia no es lo que está escrito sino como la religión organizada la usa con fines terribles.

Pero esa experiencia, ¿cambió de alguna forma tu percepción sobre la religión?

No tanto. Yo crecí en una familia secular y siempre estuve interesada en religiones, no en una específicamente, pero porque para mí todas son lo mismo. Son un hecho cultural en sí mismo, y por eso siempre me gustó ir a edificios religiosos. Algunos son impresionantes y hermosos, forman parte de una narrativa. Pero de lo que sí soy consciente es que hay un enorme número de personas en Rusia que están influenciadas por figuras religiosas, como por ejemplo el Patriarca Cirilo I. Y cuando él dice cosas antifeministas o cuando da su apoyo a Putin, me irrita muchísimo.

¿Qué cosas te pasaron por la cabeza al ver las manifestaciones en el mundo a partir de la muerte de George Floyd?

Es imposible que siendo un ser humano no te atraviese por completo. No se puede concebir como ese policía sabía que lo estaban filmando, en el medio de la calle, durante el día, frente a varios testigos. No podía creer en ese nivel de… (hace una pausa). Se sintió como que podían hacer lo que querían y no iban a sufrir las consecuencias. Y eso me afecta todavía más si me detengo en que Vladimir Putin impuso unas leyes de mierda que le dan permiso a los policías de ser más violentos contra la gente. Muchas veces él apunta a Estados Unidos y dice: «¿No les gusta esto? miren lo que pasa allá, que los matan a tiros». Este hecho, aparte de ser una tragedia humana, desafortunadamente abre las puertas para que la violencia escale en todo el mundo, porque todos estamos observando lo que ocurre ahí.

Tu reciente canción «1312» es un poco la expresión de ese presente, y cuenta con la participación de Dillom, un nuevo jugador del trap argentino. ¿Qué pensás del movimiento que generaron?

Amo lo que él y su crew están haciendo, y como hicieron crecer su propuesta. Son super independientes y lo hicieron todo ellos, sin managers ni nada. Cuando trabajo con músicos de Los Ángeles, todos tienen un manager y muchas veces ellos marcan el contexto de hacia dónde tienen que ir los artistas. Con Dillom no me ocurre para nada y me siento cómoda también porque soy muy amiga de uno de los chicos que es el artista visual de ellos. Soy parte de la familia y por eso trabajamos de una forma muy abierta. Ellos viven la esencia del DIY que forjó el punk en los ochenta y me empuja a pensar que el trap es el nuevo punk. O sea, no es que todo el trap es como el punk, digo, Travis Scott está lejos de serlo, pero estos chicos saben lo que hacen.

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Rob Halford, recuerda el momento en que reveló que era gay

"No es necesario sentirte tan solo como me sentí yo. Metaleros gay: salgan del clóset y súmense a nosotros. Su vida solo les pertenece a ustedes", dice Rob Halford
«No es necesario sentirte tan solo como me sentí yo. Metaleros gay: salgan del clóset y súmense a nosotros. Su vida solo les pertenece a ustedes», dice Rob Halford Crédito: Ilustración de Mark Summers
¿Cuál es tu consejo para mantener la salud durante el distanciamiento social?

Como todo el mundo, estoy escuchando mucha música, mirando series en Netflix y Amazon Prime, ese tipo de cosas, para mantener la salud mental. Es importante conservarla. Una de las mejores maneras es hablar de tus problemas con otra persona, ya sea por teléfono, videollamada o mensaje de texto. Tenemos que mantener abierta esa línea de comunicación.

¿Cómo definís el éxito?

Hacer realidad tus sueños y ambiciones. Nunca pensé en el éxito en términos de la cantidad de discos vendidos ni los premios. Cuando llegan esos reconocimientos, es una linda reafirmación de cómo se manifiesta el éxito. Pero para mí el éxito es hacer una buena canción o un buen recital.

Tu disco British Steel, que incluye el clásico «Breaking the Law», cumple 40 años. ¿Cómo hacés para mantener fresco un tema tan viejo?

Cada vez que lo tocás, está fresco. Lo importante con estas canciones es no tocarlas de memoria. Tienen que salir de un lugar sincero. No como si dijeras: «Oh, mierda. Tenemos que tocarla otra puta vez, ya van más de 4.000». Sigo tocando con ganas temas como «Breaking the Law», «Living After Midnight» y «Electric Eye».

Aceptaste el título de Dios del Metal. ¿Cuándo sentís que representás mejor ese apodo?

[Risas] Cuando te subís al escenario todo cambia. Cuando salís ahí y agarrás el micrófono, algo adentro tuyo cambia de manera muy tangible y de repente sos el Dios del Metal. Es como cuando Superman iba a la cabina telefónica y después salía. Él salía con capa y calzas, yo con ropa de cuero.

El look sadomasoquista, con cuero negro, de Judas Priest, es inconfundible. ¿Qué consejos tenés para descubrir tu propio look?

Tener un buen look es importante desde el principio del rock & roll. Si mirás imágenes antiguas de Priest [de 1975] en The Old Grey Whistle Test, que salió en la BBC, parecíamos un poco Greta Van Fleet [risas]. Es notable. Pero pensamos: «No, esto no está bien. La música es fuerte, rabiosa, oscura, poderosa… ¡Y yo con una camisa de seda! [risas]». Ponernos una simple campera de cuero de motoquero fue, para mí, un paso muy importante. Claro, como soy un fashionista metalero gay, no veía la hora de exagerarlo y volverlo algo glorioso.

Te declaraste gay públicamente en 1998. ¿Qué aprendiste de la experiencia?

Que tenés que salir de la jaula y que no podés vivir tu vida para otra gente. Salir del clóset en un mundo que en esa época estaba dominado por machos alfa -y lo sigue estando, con todo mi respeto por las grandes metaleras mujeres- me dio mucha paz y me ayudó en mi trabajo. No podés enfocarte cuando tenés esa sombra sobre tu cabeza. Tenés que agarrarla, quemarla, destruirla. Tenés el derecho de vivir tu vida en tus propios términos.

¿Qué consejo tenés para los metaleros que se sienten encerrados en una cultura hétero y quieren salir del clóset?

No es necesario sentirte tan solo como me sentí yo. Metaleros gay: salgan del clóset y súmense a nosotros. Salgan, y diviértanse. Su vida solo les pertenece a ustedes.

Por: Kory Grow